Тестовий режим: контент на сайті тестовий і буде видалений після запуску.
Словник мистецтва
Ukrainian Art&Culture онлайн-глосарій мистецьких термінів охоплює рухи, стилі та техніки, такі як Імпресіонізм, Гравюра, Відео-арт та багато інших.

від Реалізмдо Кіберпанк
34від Оліядо 3D Моделювання
8від Живописдо Дизайн
7від Трипіллядо Сучасність
2314 термінів

Абстрактне мистецтво — це твори, які не намагаються точно відтворити візуальну реальність, а натомість використовують форми, кольори, лінії, об'єми та жестові знаки для досягнення свого ефекту. Абстракція може відходити від видимого світу частково, спрощуючи чи стилізуючи його, або цілковито, коли зображення не має жодного посилання на впізнавані об'єкти. Мета — виразити ідеї, емоції, ритми та духовні стани засобами суто пластичної мови. Абстрактне мистецтво сформувалося на початку XX століття як логічне продовження експериментів постімпресіонізму, фовізму та кубізму. Одним із його засновників вважають Василя Кандинського, який мав тісні зв'язки з Україною та навчався в Одесі; його теоретична праця «Про духовне в мистецтві» (1911) обґрунтувала можливість безпредметного живопису. Важливий внесок зробили Казимир Малевич, творець супрематизму, тісно пов'язаний із Києвом, а також Піт Мондріан із неопластицизмом. Абстракція розгалузилася на геометричну та ліричну течії й лишається однією з визначальних мов сучасного мистецтва.
Абстракціонізм — це художня мова, що відмовляється від упізнаваного зображення предметного світу й будує образ на чистих засобах живопису та графіки: кольорі, лінії, площині, ритмі й фактурі. Замість наслідування природи абстрактний твір апелює до внутрішнього переживання, музичної асоціації або духовної ідеї, стверджуючи самодостатність формальних елементів. Історично розрізняють дві магістральні течії: ліричну, або органічну, абстракцію з плинними барвистими плямами та експресивним жестом, і геометричну абстракцію з чіткими фігурами, прямими кутами та вивіреними пропорціями. Характерними ознаками стилю є відкрита композиція, автономне звучання кольору, увага до самого процесу нанесення фарби та відмова від сюжетної оповіді. Технічно митці використовують заливки, дриппінг, колаж, монохромні поля або, навпаки, контрастні співставлення тонів. Основоположником вважають Василя Кандинського, для якого барва мала «духовний звук»; поряд із ним працювали Піт Мондріан із його неопластицизмом та Робер Делоне з орфізмом. В українському контексті до абстрактних пошуків причетні Казимир Малевич і його супрематизм, а також Олександра Екстер, чиї безпредметні композиції поєднали колір і динаміку. У другій половині XX століття абстракція розгорнулася в американському абстрактному експресіонізмі Джексона Поллока й Марка Ротко, а також у європейському ташизмі та інформелі, де панували спонтанний жест і чиста матерія фарби. Теоретичним підґрунтям руху стала праця Кандинського «Про духовне в мистецтві», що обстоювала право барви й форми промовляти безпосередньо, поза сюжетом. Важливо, що абстракція ніколи не була однорідною: вона коливалася між суворою раціональністю розрахунку й вибуховою емоційністю, між тишею монохрому й святковою поліфонією кольору. Абстракціонізм назавжди змінив уявлення про те, що може бути предметом мистецтва, відкривши шлях безпредметному живопису, кольоровому полю та мінімалізму.

Наївне мистецтво — це художня мова самоуків, які творять поза академічною традицією, спираючись на безпосереднє відчуття світу, а не на завчені правила. Його ядром є щирість погляду, у якому наївність обертається не вадою, а естетичною чеснотою. Формально твори вирізняються пласким простором, свідомим ігноруванням лінійної перспективи та анатомічних пропорцій. Колорит зазвичай яскравий, локальний, декоративний, без тональних переходів і академічного світлотіньового моделювання. Композиція тяжіє до симетрії, орнаментальності й рівномірного заповнення площини, де кожна деталь виписана з однаковою увагою. Мотиви черпаються з фольклору, побуту, релігійних сюжетів, флори та фауни, часто фантастичної. Техніка може бути навмисно спрощеною, але вражає впевненістю лінії та колірною сміливістю. У світовому контексті класиком напряму вважають француза Анрі Руссо (Митника) з його казковими джунглями. В українському мистецтві наївне начало сягнуло світового рівня у творчості Марії Приймаченко з її фантастичними звірами й квітами. До плеяди майстрів належить і лемко Никифор Криницький (Епіфаній Дровняк), самобутній акварельний хронікер провінції. Наївне мистецтво тісно споріднене з примітивізмом і народною картиною, проте зберігає авторську неповторність. Воно вплинуло на авангард, який шукав у ньому первозданної свіжості. Колекціонери й музеї здавна плекають ці твори, а великі авангардисти, зокрема Пабло Пікассо, захоплено збирали полотна Руссо. За уявною безпосередністю тут стоїть цілісний, самодостатній художній світогляд, а не просто брак вишколу. Сьогодні цей напрям цінують за автентичність, декоративну силу та здатність оновлювати саме поняття художньої правди.
Народне мистецтво — це колективна художня творчість, що виростає з традиційного побуту, обряду та ремесла, передається з покоління в покоління й не потребує академічної освіти. Його естетика ґрунтується не на індивідуальному новаторстві, а на каноні: усталених типах орнаменту, колірних сполученнях і символах, які майстер варіює в межах спільної традиції. Характерні риси — площинність, декоративна умовність, ритмічна побудова візерунка, яскравий локальний колір, симетрія та сакральна символіка родючості, добра й оберегу. Народне мистецтво нерозривне з ужитковою функцією: воно живе в кераміці, ткацтві, вишивці, різьбленні, розписі скринь і печей, іконі на склі. В Україні його багатство виняткове — петриківський розпис із квітучими галузками, опішнянська й косівська кераміка, витинанка, писанка, полтавська й борщівська вишивки. Окрему сторінку становить наївне малярство самобутніх майстрів: Марія Приймаченко з її казковими звірами й квітами, Катерина Білокур із гіперболічно розкішними букетами, Никифор Дровняк зі Криниці. Ці художники, не маючи фахової освіти, творили самодостатні світи виняткової пластичної сили. Народне мистецтво відзначається щирістю світовідчуття, органічним зв'язком із природним циклом і глибокою символічною насиченістю. Кожен регіон плекав власну впізнавану манеру: колористику, набір мотивів, техніку, за якими знавець безпомилково розрізняє походження речі. Орнамент тут ніколи не є простою прикрасою — він несе оберегову, календарну та родову семантику, зашифровану в знаках сонця, дерева життя, ромба-поля й пташки. Передаючись від майстра до учня та від матері до доньки, ця традиція забезпечувала тяглість колективної пам'яті й естетичного канону впродовж століть. Воно стало живлющим джерелом для професійного авангарду й дизайну та лишається фундаментом національної візуальної ідентичності, доказом того, що велике мистецтво може народжуватися поза межами академії.
Нова скульптура (New Sculpture) — термін, що позначає напрям у британській пластиці другої половини XIX століття, приблизно з 1880-х до початку 1900-х років. Він виник як реакція на застиглий неокласицизм і статичність попередньої вікторіанської скульптури. Митці Нової скульптури прагнули більшого натуралізму, психологічної виразності, поетичності та символічного змісту, звертаючись водночас до впливів французької школи й італійського Ренесансу. Вони приділяли особливу увагу поверхні, руху, деталям і тонкому моделюванню, часто поєднуючи різні матеріали — бронзу, слонову кістку, кольорові емалі та коштовне каміння. До провідних постатей напряму належать Фредерік Лейтон, автор знакового «Атлета, що бореться з пітоном», Альфред Гілберт, Гамо Торнікрофт та Альфред Друрі. Нова скульптура також сприяла розвитку декоративної статуетки й тісно перегукувалася з рухом мистецтв і ремесел та стилем ар-нуво. Вона суттєво оновила британську пластику й підготувала ґрунт для модерністської скульптури XX століття.
Фігуративне мистецтво — будь-яка форма сучасного мистецтва, що зберігає виразні, впізнавані посилання на реальний світ, і насамперед на людську фігуру. Термін набув особливого сенсу у XX столітті як протилежність абстрактному мистецтву: якщо абстракція відмовляється від зображення впізнаваних предметів, то фігуративне мистецтво свідомо утримує зв'язок із видимою дійсністю. Важливо, що «фігуративне» не означає простого копіювання натури — воно може бути значно стилізованим, спотвореним чи експресивним, аж поки в ньому впізнаються постаті, обличчя чи об'єкти. Після панування абстракції в середині XX століття відбулося потужне повернення до фігуративності: його представляли, зокрема, експресивні, тривожні полотна Френсіса Бекона, монументальні тілесні образи Люсьєна Фройда та лондонська школа, а також різноманітні течії неоекспресіонізму й нового реалізму. Людська постать залишається одним із найдавніших і найтриваліших сюжетів мистецтва, від первісних наскельних зображень до сучасності. Фігуративне мистецтво засвідчує стійку потребу художників осмислювати людину, тіло й навколишній світ, і воно розвивається паралельно з абстракцією, а не всупереч самому факту її існування.

Формалізм — підхід до вивчення та оцінювання мистецтва, що ґрунтується виключно на аналізі його форми, тобто способу створення твору й того, як він виглядає: композиції, ліній, кольору, фактури, простору й співвідношення частин. Для формаліста художня цінність твору полягає в його візуальних, формальних якостях, а не в сюжеті, оповіді, історичному контексті чи соціальному посланні. Формалізм відіграв велику роль у становленні модерністської критики й теоретичному обґрунтуванні абстрактного мистецтва, адже саме формальний аналіз дає змогу говорити про твори, позбавлені впізнаваних зображень. Значний внесок у розвиток формалістичного мислення зробили британські критики Роджер Фрай та Клайв Белл, який висунув поняття «значущої форми». У середині XX століття найвпливовішим прибічником формалізму став американський критик Клемент Ґрінберг, який обстоював ідею чистоти кожного виду мистецтва та трактував історію модернізму як послідовне очищення живопису до його суто оптичних, площинних властивостей. Пізніше формалізм зазнав гострої критики з боку контекстуальних і соціальних підходів, однак і досі залишається базовим інструментом для опису й аналізу візуальної мови мистецтва.